Work In Progress…

Cuando leas esto, puede que Warren Zevon haya muerto. En agosto del año pasado se le diagnosticó un cáncer de pulmón inoperable. Los médicos le dieron tres meses de vida, pero mientras este texto se escribe (abril de 2003), Zevon escupe con rabia “Excitable boy” desde los surcos del festivo directo del 82 “Stand in the fire” y la angustia por el inevitable desenlace se hace más llevadera. Las últimas noticias nos lo situaban trabajando a toda prisa en su disco de despedida, “My Dirty Life and Times”. Viejos amigos y colaboradores se han pasado por el estudio para apoyarle en la grabación: Bruce Springsteen, Bob Dylan, Jackson Browne, Don Henley, Ry Cooder, Dwight Yoakam, Tom Petty, Mike Campbell, Emmylou Harris, Joe Walsh, David Lindley, Timothy B. Schmit, Jim Keltner, John Waite, Billy Bob Thornton y uno de sus dos hijos, Jordan. Puede que la siguiente propuesta te suene asépticamente morbosa, pero a buen seguro que Zevon, un tipo para quien la muerte ha sido compañera de viaje y sustento creativo durante años, esbozaría una sonrisa cómplice. Conéctate a Internet y entra en la página deadoraliveinfo.com. Teclea Warren Zevon en el campo de búsqueda y sabrás la respuesta. Jodidamente sencillo. Si está vivo, te aparecerá un smiley; si ha palmado, una calavera. Pero no esperes la calavera que fuma en pipa en la portada del recopilatorio “Genius: The Best of Warren Zevon”, ni tampoco la que apura un pitillo y se oculta tras unas gafas zevonianas en el interior de su disco del 95, “Mutineer”. Hoy hago la prueba: la sonrisa amarilla me anuncia que sigue vivo y, por si acaso, me recuerda que Warren Zevon es “conocido por su canción ‘Werewolves of London’, además de otras.” Jodidamente sencillo e injusto. Leer el resto de esta entrada »

En 1997 Jay Lindsey graba a solas el infra-single “Get Real Stupid”, con declaraciones de principios tan epatantes como “You ain’t no fun no mo’” o “Fashion victim”. Lo-fi abrasivo por la gloria del Dios Oblivian. Goner Records, sello fundamental para entender el sonido del subsuelo de su ciudad, Memphis, auspicia su primer disco como The Reatards, todavía más elocuente y atronador, “Teenage Hate” (1998). Dieciocho escupitajos de bilis y acné en los que, acompañado por Ryan Wong y Steve Albundy (ahora en Tokyo Electron), perpetra una ópera de punk lo-fi con pasajes tan bucólicos como “When I get mad”, “You fucked up my dreams”, “I’m so gone” o una significativa relectura del “Down in flames” de Dead Boys. Tras un segundo elepé, “Grown up fucked up” (Empty, 1999), igual de malrollero, el grupo estalla de pura extenuación y, como él mismo ha acabado reconociendo, por el carácter volátil, difícil de sobrellevar, de un Jay que de gira se pierde en un viaje de autodestrucción regado en alcohol que causa estragos en locales de medio país. Young, loud & snotty…

Memphis ha muerto, ¡larga vida a Lost Sounds! Junto a Alicja Trout (Clears) y Rich Crook (batería en la última etapa Reatards), Jay da forma a uno de los grupos de cabecera del revival synth-punk que asoló cierto sector del undeground yanqui a finales de los 90. Influidos por Screamers, Wire, la new-wave y oscuros grupos de black metal, The Lost Sounds crean un apocalíptico y radical universo propio en el que conviven los chavales de la matanza de Columbine, con ratas de laboratorio con cerebros biónicos y pasajes alucinógenos del “Libro de las Revelaciones”. Doble ataque de sintetizadores  y chaparrón de histeria ruidista que algunos catalogan como “black-wave”. En su primer disco tributan a Fred Cole con el clásico de The Lollipop Shoppe “You must be a witch”; en su último single, editado por el sello madrileño Holy Cobra Society, hicieron lo propio con el “Ice Age” de Joy Division. Unknown pleasures… Leer el resto de esta entrada »

Aunque por su música y su aspecto parezca alguien que el presente haya absorbido del medio oeste yanqui de principios de los setenta, Dan Auerbach no tiene una visión anacrónica del tiempo que le ha tocado vivir. “Es genial que los chavales que juegan al Grand Theft Auto IV recorran las calles del videojuego al ritmo de una de nuestras canciones. Hoy en día, la MTV apenas pone videoclips y las emisoras de radio masivas sólo emiten música prefabricada, así que el sector del videojuego es un campo excelente para hacer llegar nuestras música al público”. Habla Auerbach de «Strange Times», el single que presentó en sociedad, primero vía descarga digital en marzo de 2008, el último disco de The Black Keys, el aclamado Attack & Release. Producido por Danger Mouse, fue sin duda el álbum (disco del mes en Ruta 248) que les ayudó definitivamente a desprenderse de los calificativos de banda de revisionismo blues o las harto cansinas comparaciones con otro dúo dinamizador del género, The White Stripes.

Tras ocho años de intenso trabajo y cinco discos para cuatro discográficas distintas (desde el anterior, Magic Potion, graban para Nonesuch), Dan Auerbach (voz y guitarra) y su compañero Patrick Carney (batería) decidieron tomarse un respiro y dedicarle tiempo a sus proyectos personales. Así, mientras Carney ha auspiciado a través de su sello y estudio Audio Eagle a nuevos grupos como Houseguest, Royal Bangs o Beaten Awake, Auerbach ha hecho lo propio con su estudio Akron Analog, diseñado por Mark Neill, responsable también de los Toe Rag de Londres o los Billy Zoom Studios de Los Ángeles. Entre sus paredes ha ayudado a alumbrar grabaciones de otros jóvenes entusiastas como Radio Moscow, Brimstone Howl, The Buffalo Killers, Hacienda o su protegida de diecinueve años Jessica Lea Mayfield quien, tras cantar en el último corte de Attack & Release, volvió a responder a la llamada de Auerbach cuando éste se guardó un hueco en la agenda de su estudio para grabar Keep It Hid (Nonesuch / Nuevos Medios). Es este un trabajo consanguíneo a Black Keys pero materializado con una mayor fluidez o libertad, rebajando la meticulosidad con que acometieron Auerbach y Carney su encuentro con Danger Mouse y que nos descubre otra perspectiva de un creador inquieto, ecléctico y tremendamente apasionado. Leer el resto de esta entrada »

Aquest 2003 és un any molt especial per l’Elliott Murphy. Es cel.lebra el trentè aniversari de la publicació d’”Aquashow”, el disc que li va valer el calificatiu d’“el nou Bob Dylan” i l’admiració d’un altre debutant, Bruce Sprigsteen, que irrompia amb força gràcies a “Greetings from Asbury Park, N.J.”. Però, mentres aquest últim es convertiria en un ídol de masses, el nostre protagonista va ser incapaç d’assimilar un èxit de crítica que no es va correspondre amb un reconeixement popular. La indiferència amb què la seva música era rebuda als Estats Units, unit a la necessitat d’un canvi d’aires, el van dur a traslladar-se a Paris ara fa deu anys. Allà hi va conèixer l’Olivier Durand, un nom clau per entendre el ressorgiment musical que ha experimentat Murphy en aquests darrers cinc anys, quan s’ha convertit en un artista de culte al nostre país.

L’any passat, a Paris i Bolonya, en Bruce Sprinsteen et va convidar a pujar dalt de l’escenari per cantar junts “Born to run”. Com ho recordes?
Va haver-hi una època en què podia existir certa rivalitat entre nosaltres, però ara és un gran amic i mai li estaré prou agraït per haver-me permès acompanyar-lo tantes vegades. Crec que, juntament amb en Dylan i els Stones, és el millor exemple de com el rock pot madurar amb elegància i sense perdre aquella passió que tots teníem al principi, quan fer un sol disc encara era un somni. Tocar amb ell és una experiència molt estimulant i divertida. A Paris estava una mica nerviós perquè no em sabia del tot els acords, però en Little Steven em va ajudar molt. A Bologna, va venir a veure’m després del concert i em va dir: “Has practicat!”. Va ser el millor compliment que podia esperar. Leer el resto de esta entrada »

Después de nueve largos años, TOOL regresan a España para presentar “Lateralus” (Volcano/Zomba, 01), una obra desbordante y desbordada, caudalosa en minutos de subyugante intensidad, pero anegada por el recuerdo imborrable de una ola mayor, mucho mayor, “Aenima” (96). Al otro lado del hilo telefónico, el hombre que nunca estuvo allí.  La historia es la que sigue. Tras dos intentos frustrados para entrevistar al bajista Justin Chancellor, parece que al fin los astros de la promoción y el management se han conjuntado para que el encuentro se lleve finalmente a cabo. Un teléfono suena en la oficina del Mondo… Una luz roja se enciende… Conecto la grabadora… A través del altavoz, alguien comunica mi pena de muerte: “Hola, Roger. Te voy a pasar con Maynard. Espera un segundo”. El pánico atraviesa mi cuerpo como un relámpago; noto la frialdad con que me recorre la columna vertebral y como se ceba con mi garganta, incapaz de asimilar el acontecimiento que estoy a punto de vivir. El espectro habla: “Hola”. Silencio… “Hola, Maynard. ¿Cómo estás?”. Sudor… “Bien”. “¿Dónde estás ahora?”… “Creo que estoy en Holanda”. Pausa. Rebobinemos: 21 de agosto de 2000, Washington DC, club Nation. Aguardo, con un nudo en el estómago, la inminente aparición en escena del hombre más enigmático del panorama rock actual. Un disco, “Mer De Noms”, y un grupo, A Perfect Circle, son la excusa perfecta para enfrentarme por primera vez a la visión en directo de uno de los seres que más ha atormentado mi condición de devorador musical. Hablo de los días de “Aenima”, claro. “La única manera de evolucionar como seres humanos es empezar a pensar fuera de los parámetros convencionales”. Leer el resto de esta entrada »

Reportaje sobre el músico y productor catalán Ricky Falkner cuyo guión escribí para el programa “Loops!” de TV3 – Televisió de Catalunya. Además de su labor como miembro de Egon Soda, San Pedro, Standstill o The New Raemon, ha producido a Love Of Lesbian, Sidonie o Refree. Actualmente, también gira y colabora con La Mala.

www.myspace.com/rickyfalkner

Guión y entrevistas: Roger Estrada
Todo lo demás: Los Loopers!

MY MORNING JACKET
Evil Urges
ATO / Rought Trade / Sinnamon

“Sly Stone es uno de los artistas más importantes e infravalorados que jamás ha pisado la Tierra. Creaba música sin ponerse límites, sin miedo, totalmente libre, pensando en que todo el mundo pudiera disfrutarla, más allá de su raza, sus creencias. Implicaba a la gente en sus canciones, joyas pop con las que aspiraba a implicar a todo el mundo, a hermanarlo. Necesitamos más creadores como él hoy en día. Sus canciones siempre me cargan de energía positiva y más cuando pienso que algunas de ellas las escribió en periodos tremendamente difíciles para él; era capaz de extraer belleza incluso cuando la vida le daba la espalda. Escucharle me da ganas de salir ahí fuera y hacer lo que tengo que hacer”. No es extraño que Jim James, el líder de My Morning Jacket, se sienta conectado con el bueno de Sylvester Stewart; ambos comparten una visión de la música como fuerza catalizadora de un sentimiento de hermandad, de tintes seudo-místicos, con el que ayudar a entender los claroscuros de un mundo a veces despiadado y cruel. Stone quería llevarnos a lo más alto, a trascender lo mundano, con su música, al tiempo que espoleaba a sus congéneres a alzarse para hacer frente a las injusticias, la triste realidad cotidiana. James, más críptico, aúlla sus inquietudes basculando entre lo emocional (la sobrecogedora plegaria «I Will Be There When You Die» de su debut, The Tennessee Fire) y lo metafísico (el animal, el demiurgo al que increpa en «Gideon», de su anterior y aclamado disco Z). “Hoy el mundo es un lugar confuso”, ha declarado recientemente James, “Hay cosas que la gente cosidera como buenas que, obviamente, son retorcidas, pero hay otras que considera malvadas que, evidentemente, no lo son. Sí, hay maldad en este mundo, pero Evil Urges trata de todas aquellas cosas que nos han dicho que son malvadas y en realidad no lo son”. Leer el resto de esta entrada »

“He recorrido
Esta ciudad, esta ciudad
Me la conozco de arriba abajo
Tengo una madre bajo tierra
Y enemigos en cada esquina” («This Town»; Marah)

“El hombre nunca sabe de lo que es capaz hasta que lo intenta” (Charles Dickens)

5 de noviembre de 2004. Marah debutan en España con un concierto en la sala Privat de Mataró (Barcelona).Como es la única actuación que darán en la Península (al día siguiente tocan en Palma de Mallorca) la peregrinación es obligada. Su reciente 20.000 Streets Under The Sky ha reencontrado al grupo capitaneado por los hermanos David y Serge Bielanko con aquellos seguidores que creyeron ver morir al grupo tras el varapalo crítico con que fue recibido su anterior trabajo, el incomprendido Float Away With The Friday Night Ghosts. Salen a por todas y le prenden fuego al local con una exhibición de rock’n’roll a la antigua usanza, con bravura, carisma y litros de sudor. El público, primero atónito y a sus pies tras la inicial «Point Breeze», les agasaja con entusiasmo cuando se bajan del escenario tras dos horas de revelador concierto. Esa noche arranca su historia de amor con nuestro país, al que volverán a finales del mes que viene para presentar su sexto álbum, Angels of Destruction (Yep Rock / Discmedi, 2008).

30 de agosto de 2003. Bruce Springsteen & The E Street Band dan el noveno de sus diez conciertos en el Giants Stadium de Nueva York. Tras interpretar «This Hard Land» como apertura de la primera tanda de bises, Springsteen se acerca al mico: “Aquí tenemos a un par de buenos amigos de una banda estupenda de Filadelfia llamada Marah. Cantarán un tema con nosotros”. Intimidados por la marea humana de 55.000 seguidores del Boss, David y Serge se adentran en el escenario y esperan entre risas nerviosas las indicaciones de su ídolo. “¡Dale, Steve!” Van Zandt rasga los primeros acordes del «Raise Your Hand» de Eddie Floyd y la E Street Band vuelve a rugir. David intenta colar su guitarra invitada y Serge da palmas al lado de Patti Scialfa. Cuatro minutos y medio más tarde, los hermanos se funden en un abrazo. Por momentos como ese ya vale la pena todo lo que han vivido juntos al frente de Marah. Leer el resto de esta entrada »

Karlheinz Stockhausen (Modrath, Renania, 1928) está considerado uno de los padres de la música experimental moderna. Sus pioneros hallazgos en el terreno de la composición electrónica, le convirtieron no sólo en un creador muy influyente para los compositores contemporáneos de música clásica, sinó también para un amplio abanico de artistas adscritos tanto al pop como a la vanguardia de la música electrónica. El autor de obras capitales y desbordantes como “Kontra-Punkte” (“Contrapunto”, 1952), o “Kontacte” (“Contacto”, 1958”) nos atendió telefónicamente desde su domicilio en Colonia pocas semanas antes del estreno en el Festival de de Música de Canarias de “Hoch-Zeiten” (“Matrimonios”) para Coro y Orquesta, escena final de la ópera “Sontag” (“Domingo”) y último episodio de su proyecto más complejo y ambicioso, “Licht. Die sieben Tage der Woche” (“Luz. Los siete días de la semana”).

¿Cómo recuerda su etapa como estudiante y a quién considera su principal maestro?
Estudié en el Conservatiorio de Música de Colonia, donde se sentaron las bases de mi conocimiento en el terreno de la composición. Mi formación se diversificó en distintos campos o sectores: orquesta, coro, conducción, musicología, armonía, contrapunto… Pero, sin duda, entrar en contacto con el trabajo de Olivier Messiaen fue algo decisivo en mi carrera. Él indagó en las ideas más revolucionarias del dodecafonismo expuestas por Arnold Schönberg y fue el máximo difusor del serialismo a principios de los 50. “Kreuzspiel” y “Kontrapunkte” fueron compuestas bajo su influencia, y cuando estaba trabajando en ésta última, tuve la posibilidad de ir a Paris a investigar bajo su tutela. Fue una época maravillosa, porque Messiaen analizaba minuciosamente sus creaciones, especialmente sus trabajos para piano, y verle operar tan de cerca fue algo crucial para mi. Leer el resto de esta entrada »

Javier Ruiz se mueve como pez en el agua en el peculiar mundo paralelo de los festivales de cortometrajes; aquí y más allá de nuestras fronteras. Derrocha simpatía, desparpajo, verborrea y, lo más importante, sincera humildad. Pero ojo, vive su momento de gloria al máximo, como corresponde al autor de Treitum, el corto más premiado de la historia del cine español, superando ya el medio centenar de galardones nacionales e internacionales. Por mencionar sólo los más recientes: Premio del Público (Curtficcions 2002), 3er premio y Premio al Mejor Sonido (XV Certamen de Cortometrajes de Carabanchel) y Premio del Público y al Mejor director (25 Rencontres Internacionales Henri Langlois). Y sigue. Ruiz se formó durante cuatro años en la prestigiosa Escola de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC), en Barcelona. Allí se especializó en montaje, pero afrontó el reto de escribir y dirigir su proyecto final de carrera. “Lo que tienen de bueno las escuelas de cine es que en ellas encuentras con gente con tus mismos intereses y objetivos. El autodidactismo está muy bien pero si , como era mi caso, no conoces a nadie del mundillo, pienso que la escuela es un buen lugar para conocer gente con esos intereses comunes. En este sentido, en la ESCAC encontré exactamente lo que buscaba: rodar con un equipo de profesionales que, además, ahora son amigos.”  Leer el resto de esta entrada »